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En l'espace de quatorze années fugaces, prise en étau entre deux guerres mondiales, l'école d'art et de design allemande Bauhaus a changé la face de la modernité. Guidée par des idéaux utopiques, l'école développa une fusion révolutionnaire entre beaux-arts, artisanat et technologie, qui s'appliquerait à la peinture, la sculpture, le design, l'architecture, le cinéma, la photographie, l'art textile, la céramique, le théâtre et les installations d'art.
À la fois communauté intensément humaine et collectif ouvert au public, le Bauhaus fut fondé par Walter Gropius (1883-1969) et compta parmi ses membres Josef et Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne Brandt et Ludwig Mies van der Rohe. Dans ses locaux successivement installés à Weimar, Dessau et Berlin, l'école encouragea les échanges charismatiques et créatifs entre enseignants et étudiants, tous dotés de styles et de goûts personnels et variés, mais unis par leur idéalisme et leur intérêt profond pour l'oeuvre d'art totale, qui puise dans différentes disciplines et pratiques.
Ce livre célèbre l'audace novatrice du mouvement Bauhaus, précurseur dans le développement du modernisme et paradigme de l'éducation artistique, au sein duquel la conjonction entre totale libération de l'expression créative et idées d'avant-garde donna naissance à des créations magnifiques et fonctionnelles.
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Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique.
Cvéritable best-seller, cet ouvrage de référence a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, plus de 250 photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus.
À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Cette édition plus maniable aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, Lilly Reich et bien d'autres.
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Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique.
Ce livre a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus.
À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Le livre aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe et Lilly Reich.
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Avec son mouvement Pittura Metafisica, le peintre italien d'origine grecque Giorgio de Chirico (1888-1978) fut une figure influente de l'avant-garde européenne dans l'entre-deux-guerres, aux côtés de maîtres comme Pablo Picasso et Paul Éluard.
La « peinture métaphysique » de l'artiste représente des statues ou des mannequins en personnages installés dans des espaces structurés par une perspective centrale exagérée - places urbaines, arcades, façades distantes ou intérieurs propices à la claustrophobie. La composition théâtrale de ses oeuvres s'appuie sur des lignes nettes, des clairs-obscurs intenses, des plans géométriques et des vides qui dégagent une sensation d'angoisse et de solitude. Les tableaux désarçonnent, obligent ceux qui les regardent à réévaluer la nature de la réalité et à chercher, au-delà des apparences, des souvenirs furtifs et des visions inattendues. Alors que les surréalistes rassemblés autour de Breton s'appuyaient sur les théories freudiennes de l'inconscient, Chirico était fasciné par Nietzsche.
Cette présentation rigoureuse de l'artiste s'aventure dans les moindres recoins obscurs et les ombres sinistres de la Pittura Metafisica de Chirico, tout en explorant aussi ses oeuvres tardives plus classiques, virage amplement critiqué par les surréalistes qui avaient tant aimé ses premières toiles.
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Inspired by the innovative use of color in Bauhaus art, Hungarian painter Victor Vasarely (1906-1997) developed his own abstract-geometric visual language, exploring the relationship between pure form and pure color. Vasarely`s experimentation with optical effects in the 1940s and 50s earned him a central role in the evolution of Op Art.
By the late 50s and early 60s, he concentrated on the "democratization of art" by no longer producing his works as expensive originals but in large editions of affordable screen prints; this attempt to redefine the position and function of the artist in society was an important first step in the Pop Art movement. Vasarely`s boldly colorful and eye-popping paintings are instantly recognizable and remain entirely modern and relevant today.
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